10 Kunstgrundlagen zur Verbesserung Ihrer künstlerischen Fähigkeiten • BUOM

30. November 2021

Künstler nutzen eine Vielzahl von Werkzeugen und Strategien, um atemberaubende Kunstwerke zu schaffen. Zu den Grundlagen der Kunst gehören mehrere theoretische und materielle Elemente der Kunst, die im Werk eines Künstlers zum Ausdruck kommen. Wenn Sie daran interessiert sind, mehr über Kunst zu erfahren, können Sie von einem Verständnis der Grundlagen der Kunst profitieren. In diesem Artikel definieren wir den Begriff und stellen eine Liste mit 10 Kunstgrundlagen bereit, die Ihnen helfen werden, Ihre Fähigkeiten als Künstler zu verbessern.

Was sind die Grundlagen der Kunst?

Grundlagen der Kunst sind die Grundprinzipien und Bestandteile der Kunst. Das Erlernen dieser Grundlagen kann zur Grundlage Ihrer Kunst werden, wenn Sie neue Wege entdecken, Kunst zu schaffen. Grundlagen dienen auch dazu, die Qualität eines Kunstwerks zu analysieren, was Ihnen dabei helfen kann, Ihre eigene Arbeit und die Arbeit anderer genauer zu bewerten.

Bevor Sie mit der Kunstausbildung beginnen, ist es üblich, die Grundlagen zu erlernen, um sicherzustellen, dass Sie die Präsenz jedes Elements in der Kunst erkennen. Unabhängig von Ihrer künstlerischen Praxis nutzen Sie bei all Ihren Arbeiten die Grundlagen der Kunst. Während Sie Ihr Verständnis für die Grundlagen der Kunst entwickeln, können Sie deren Anwendung auf einzigartige Weise üben.

10 Arten von Kunstgrundlagen

Es gibt viele verschiedene Kunstgrundlagen, die zusammenarbeiten, um gut komponierte und zusammenhängende Kunstwerke zu schaffen. Ein Werk kann je nach Medium und Stil des Kunstwerks ein oder mehrere Grundelemente enthalten. Hier sind 10 wesentliche Kunstformen, die Ihnen helfen:

1. Linien

Linien sind die Grundlage des Designs und helfen Künstlern, Räume zu unterteilen, Formen zu schaffen und einem Kunstwerk Struktur zu verleihen. Linien sind für die Kunst sehr wichtig, da sie unterschiedliche Formen erzeugen, die der Betrachter beobachten kann. Durch Aufteilen des Raums in mehrere Teile, Hinzufügen von Konturen und Schaffen von Tiefe innerhalb des Teils. Es gibt viele verschiedene Arten von Linien, die ein Künstler in seine Arbeit integrieren kann, darunter:

• Mittellinien: Dies ist eine Linie, die durch die Mitte eines Kunstwerks verläuft und den Raum teilt.

• Konturlinien: Diese Linien umreißen eine Form oder ein Objekt, um komplizierte Details anzuzeigen.

• Orthogonale Linien: Künstler verwenden diese Linien in linearen Perspektivzeichnungen, um dem Künstler dabei zu helfen, ein realistisches, proportionales Werk zu schaffen.

• Horizontlinien: Dies ist eine Linie, die zeigt, wo sich Erde und Himmel im Kontext eines Kunstwerks treffen.

• Implizite Linien: Dies geschieht, wenn ein Künstler Objekte so platziert, dass sie die Aufmerksamkeit des Betrachters auf einen bestimmten Teil des Kunstwerks lenken.

• Schraffurlinien: Künstler verwenden diese Linien, um einem Werk Licht und Schatten hinzuzufügen. Dies geschieht, wenn der Künstler diagonale Linien übereinander platziert.

2. Formular

Form ist die Grundlage der Kunst und trägt zu einer realistischen Kunst bei, die mehr als zweidimensional erscheint. Manche Künstler beginnen Formen zu schaffen, indem sie Formen überlagern oder Formen aus verschiedenen Perspektiven zeichnen. Form erzeugt in einem Kunstwerk oft eine Illusion, die die Form dreidimensional, strukturiert oder dreidimensional erscheinen lässt. Die Fähigkeit zu erkennen, wie die Form Ihre Kunst beeinflusst, kann es Ihnen ermöglichen, komplexe, fesselnde Werke zu schaffen.

3. Wert

Der Wert steht in direktem Zusammenhang mit der Farbe und bestimmt, wie hell oder dunkel die Farbe eines Artikels sein wird. Die Verbesserung der Bedeutung eines Stücks kann dazu beitragen, wie realistisch es dem Betrachter erscheint. Verschiedene Farbwerte können zusammenwirken, um ein Gefühl, eine Atmosphäre oder ein Erscheinungsbild zu vermitteln. Das Erforschen von Bedeutungen erfordert möglicherweise Übung mit Lichtern und Schatten in Ihrer Arbeit, um besser zu verstehen, wie verschiedene Bedeutungen interagieren.

4. Raum

Raum bezieht sich auf die Bereiche um, über oder innerhalb eines Objekts oder einer Form. Die Schaffung von Raum in einer Zeichnung oder einem Gemälde ist eine weitere Art künstlerischer Illusion, die zu einer realistischen Gestaltung beitragen kann. Künstler können mithilfe anderer Kunstgrundlagen verschiedene Strategien zur Raumaufteilung kennenlernen. Beispielsweise kann die Verwendung von Schatten den Raum in einem Stück ausfüllen und ihm mehr Struktur und Komplexität verleihen. Andere Möglichkeiten, wie ein Künstler in seiner Arbeit Raum schaffen kann, können eine der folgenden Techniken sein:

• Überlappung

• Größe

• Objekte platzieren

• Detail

• Farbe und Kosten

• Perspektive

5. Farbtheorie

Als Grundlage der Kunst geht die Farbtheorie über die bloße Auswahl der Farben für ein Gemälde hinaus. Dazu gehört das Verständnis, wie man Farbkombinationen erstellt, wie bestimmte Farben gemischt werden und wie man verschiedene Farben in einem Stück anordnet. Es gibt drei Hauptfaktoren der Farbtheorie, darunter:

• Farbharmonien: Hierbei handelt es sich um Farbkombinationen, die optisch ansprechend zusammenwirken. Die Wahl einer guten Farbharmonie kann das Gesamtbild Ihres Gemäldes oder Ihrer Zeichnung verbessern.

• Farbrad: Das Farbrad kategorisiert 12 verschiedene Farben in primäre, sekundäre und tertiäre Kategorien. Das Rad zeigt visuell, welche Primärfarben sich zu Sekundärfarben verbinden und welche Farben sich mit anderen kombinieren.

• Farbkontext: Der Farbkontext zeigt, wie eine Farbe neben anderen Farben erscheint. Beispielsweise kann der Blauton auf einem schwarzen Hintergrund anders aussehen als auf einem weißen Hintergrund.

6. Anatomie

Anatomie gilt für jedes Lebewesen, das Sie in Ihrer Kunst nachbilden möchten. Gemeint ist die Darstellung von Gelenken und Muskeln und deren Bewegung. Zur Anatomie gehört auch die genaue Vermittlung von Proportionen, Strukturen und sogar Gesichtsausdrücken. Künstler können das Zeichnen von Menschen üben, um sich mit den anatomischen Elementen der Kunst vertraut zu machen. Es ist die Grundlage der Kunst, denn es gibt Ihnen die Möglichkeit, Menschen und andere Lebewesen in Ihren Kunstwerken genau darzustellen.

7. Beleuchtung

Unter Beleuchtung versteht man die in einem Kunstwerk vorhandenen Glanzlichter und Schatten. Beim Erzeugen der Lichtillusion ist es wichtig, einige Bereiche zu beschatten, um andere hervorzuheben. Die Beleuchtung hängt eng mit dem Wert zusammen, da beide Details des umgebenden Kontexts des Stücks vermitteln. Wenn Sie beispielsweise eine Strandszene malen möchten, können Sie Schatten und Lichter verwenden, um zu zeigen, wo die Sonne steht. Um das Gefühl eines warmen Sommertages noch weiter zu erzeugen, können Sie anhand des Werts die besten Farben für Wasser und Sand auswählen.

8. Zusammensetzung

Komposition ist die Grundlage der Kunst und zeigt die Fähigkeit des Künstlers, alle Elemente kohärent zu verwenden. Die Komposition hilft dabei, Ihr Stück als Ganzes zu strukturieren und stellt sicher, dass sich das Publikum auf den zentralen Punkt des Stücks konzentriert. Wenn sie effektiv eingesetzt wird, trägt die Komposition zur Botschaft bei, die in Ihrem Stück vermittelt wird. Einige kompositorische Elemente umfassen:

• Einheit: Dieses Element hilft dem Künstler, Entscheidungen zu treffen, die verschiedene Aspekte des Werks zu einem zusammenhängenden Ganzen integrieren.

• Symmetrie: Die Verwendung von Symmetrie kann dazu beitragen, dass Ihr Stück ausgewogen erscheint, was dem Betrachter helfen kann, sich auf das Thema zu konzentrieren und nicht auf asymmetrische Aspekte.

• Bewegung: Die Illusion von Bewegung in Ihrem Stück kann Ihr Publikum anziehen und Realismus zeigen.

• Proportion: Dieses Element kann dazu beitragen, dass ein Kunstwerk natürlich und zielgerichtet erscheint, indem es ein Gleichgewicht zwischen Größe und Form vermittelt.

9. Perspektive

Die Perspektive ist eine weitere Grundlage der Kunst, die dabei hilft, einen dreidimensionalen Effekt zu erzeugen. Wenn Sie lernen, aus verschiedenen Perspektiven zu zeichnen, können Sie Ihre künstlerischen Fähigkeiten verbessern und Ihre Arbeit realistischer machen. Es gibt verschiedene Standpunkte, die Sie vertreten können, darunter:

• Einzelpunktperspektive

• Zwei-Punkte-Perspektive

• Drei-Punkte-Perspektive

10. Textur

Textur dient als Grundlage der Kunst für verschiedene Medien. Dies bezieht sich auf die Art und Weise, wie sich ein Gemälde anfühlt oder empfunden zu werden scheint. Künstler können die Illusion einer Textur erzeugen oder greifbare Texturen in ihre Arbeit integrieren. Eine der Strategien zur Texturierung eines Gemäldes ist beispielsweise „impasto“. Dies geschieht, wenn ein Künstler absichtlich Farbe aufschichtet, um eine bestimmte Textur zu erzeugen. Diese Grundlage der Kunst hängt eng mit Farbe und Wert zusammen, da eine bestimmte Textur das Erscheinungsbild der Farbe auf der Leinwand verändern kann.